Pauken und Trompeten sind Instrumente der Macht. Wann immer sie erklingen - ob als Signal bei Ankündigung einer Majestät, als festlich-erhabene Umrahmung eines wichtigen gesellschaftlichen Ereignisses oder zum Lobe Gottes wie in Bach´s Kantate „Tönet, ihr Pauken, Erschallet, Trompeten“ - es ist immer auch Achtung, Ehrfurcht, Unterwerfung gemeint. Dies mag vielleicht auch damit zusammenhängen, dass diese beiden Instrumente (sowie ihre abgeleiteten Formen) eine beeindruckende Lautstärke erzeugen können.

Doch manchmal ist die Macht hohl und der erhabene Schall gerät zum leeren Getöse, der erträumte Triumph wird zum peinlichen Desaster. Man kann mit Pauken und Trompeten durchfallen, abtreten, untergehen... Man kann mit Pauken und Trompeten aber auch einfach nur Musik machen.

Die pyramidale 8 zeigt sich 20 Jahre nach dem Mauerfall mit einem umfangreichen Programm, das sich - ausgehend vom Motto - vorwiegend auf die Besetzung Blechbläser und Schlagzeug stützt. Dabei werden in den Konzerten und Performances alle Facetten der Deutung berührt. Ernst und Ironie, Tragik und Komik scheinen in den musikalischen Strukturen auf und regen zu vielfältigen Reflexionen über die vergangene und die gegenwärtige Situation an.

Erstmalig zeigen wir im Rahmen der pyramidale 8 auch einen Film: Viva! La Banda dukumentiert auf unterhaltsame Weise die uralte Tradition der "Banda" (Blaskapellen, die durch die Dörfer Italiens ziehen), die heute noch so lebendig ist wie vor 100 Jahren.

Wie auch in den zurückliegenden Jahren sollen interessante und ungewöhnliche Höreindrücke vermittelt werden. So findet z.B. ein Teil des Konzertes am 3. Oktober im weitläufigen Innenhof des Bezirksamtes statt, der an das Ausstellungszentrum Pyramide grenzt und der akustisch differenzierte Fern- und Echowirkungen zulässt. Eine Trommelperformance auf westafrikanischen Originalinstrumenten lenkt den Blick / das Ohr in eine unerwartete Richtung. Auch ist vorgesehen, die Pyramidenspitze in diesem Jahr zu bespielen: elektroakustische Kompositionen sollen über eine 12 Lautsprecher umfassende Installation wiedergegeben werden, die nicht nur horizontale, sondern auch vertikale Bewegungen abbilden kann. Die Lautsprecherinstallation wird auch nach der pyramidale 8 für weitere Konzerte mit elektroakustischer Musik genutzt.

Darüber hinaus haben viele der Werke performative Komponenten und überschreiten die Grenze zum Musiktheatralischen.

Unter den aufgeführten Werken gibt es sieben Uraufführungen, die eigens für die pyramidale 8 geschrieben wurden.

Der zweite Tag des Festivals beginnt, wie im vergangenen Jahr, bereits am Hackeschen Markt im Zentrum Berlins mit einem Konzert in der Straßenbahn - der TRAMOPHONIE. Während der ca. 50 Minuten dauernden Fahrt zum Ausstellungszentrum Pyramide sind elektroakustische Kompositionen, Texte sowie Kinderlieder aus der ehemaligen DDR zu hören.


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Ein weites Feld von klanglichen Facetten der Stimme öffnet dieses Programm. Das geht vom normalen Gesang über Werner Heiders pluralistisch-experimentellen Ansatz, der auch Geräusch und Phonetisches einbezieht, bis zur Erkundung verschiedener Klangräume im Werk von Susanne Stelzenbach, in denen die Sängerin ein vis-à-vis sucht, wobei das Zuspiel von Band ein Dialogpartner ist wie auch in den Werken von Nono und Bennett. Vielfältig sind auch die Texte: politisch engagiert im Klassiker von Nono, Bruchstücke von Friedrich Rückert bei Bruno Karrer, Comics in Stripsody, eigene Texte der Komponisten, eine Ballade von Bertolt Brecht bei Hünigen, mystische Visionen einer mittelalterlichen Nonne bei Sciarrino/Teepe. „Viadukt-Musik“ von Fabian Neuhaus, ursprünglich für den Eisenbahnviadukt in Rümlingen geschaffen, bringt auch die konkrete räumliche Dimension ein, ist andererseits eine Metapher auf die Begegnung von Kulturen und könnte so als Motto des ganzen Programms stehen. Solches Aufeinandertreffen verkörpern  nicht zuletzt die drei Sängerinnen aus drei Ländern, auch mit ihrem unterschiedlichen Temperament, dem Auftreten und der Werkauswahl, was ebenfalls für ein abwechslungs- und beziehungsreiches Programm sorgt. Es wird von zwei Triowerken umrahmt, in denen die Solistinnen zum Ensemble zusammenfinden und in denen zufälliges Zusammenklingen eine Rolle spielt. Im Schlußwerk, der Uraufführung einer Gemeinschaftskomposition von Max E. Keller (CH) und Susanne Stelzenbach und Ralf Hoyer (D), findet die Trinität der Interpretinnen zudem seine Entsprechung im Kompositionsprozeß.


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- Anhalten und Fortfahren aus welchen Gründen, in welchem Kontext, mit welchen Konsequenzen auch immer sind zumeist alltägliche, ganz beiläufige Phänomene der Zeitgestaltung und Zeitwahrnehmung. Sie rahmen eine Pause, einen khürzeren oder längeren Stillstand. Wenn sie unüblich verlaufen oder planvoll inszeniert werden, dann kšnnen sie gerade der Phase dazwischen eine besondere Bedeutung verleihen, dann wird aus einem HALT ein aussergewöhnliches Ereignis. Im musikalischen Kontext haben solche Abläufe mit Gesten zu tun, sind möglicherweise sogar als Gesten zu beschreiben, und dies zunächst ganz allgemein im Sinne von bedeutungsvollen, besonderen Momenten oder auch Zäsuren, die in unterschiedliche Aktionsbereiche fallen. (Christa Brüstle)


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fliehen vor eros? sinnlose mühe! wie kann ich entwischen, wo ich tappe zu fuß, er mich mit flügeln verfolgt.



innig ersehnte ich dich. da kamest du, wider verhoffen und verwirrtest mich tief, blendetest auge und geist.





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die erotik des kontrastes

zu den elementarsten gestaltungsmitteln in der kunst gehören kontraste: plötzliche schnitte ebenso wie changierende gegensätzlichkeiten, klare abhebungen vor diffusem hintergrund ebenso wie lange strecken nach kurzen, explodierenden ereignissen. kontraste sind an vergleiche gekoppelt. gepackt durch das faszinosum von extremsituationen wird die wahrnehmung sensibilisiert, geschärft, herausgefordert, angestachelt, gefesselt. dies geschieht häufig als initiations- und überraschungseffekt. kontraste erheischen blitzartige momente des aufmerkens und ein begehren danach, das sinnliche aufschrecken zu steigern: den kick nochmals erleben, nochmals den besonderen reiz wirken lassen. die erotik des kontrastes ist eine anziehungskraft aus der oszillation zwischen erschrecken und voyeurismus. eine mitte gibt es nicht. die vermittlung von kontrasten löst den konflikt in eine kontinuierliche diskontinuität auf, die langweilig wird oder aggressiv macht, im besten fall entsteht ein interessantes muster.

in der malerei kennt man kontraste von hell und dunkel, kalt und warm, simultan- oder sukzessivkontraste, kontraste der farbe-an-sich, komplementärkontraste, kontraste von qualität und quantität. die kontraste in der musik sind diesen vergleichbar, ausgedehnt in zeit und raum: langsam und schnell, kurz und lang, nah und fern, dicht und vereinzelt, tief und hoch, laut und leise, alt und neu im stil, in der form, in der dramaturgie... bis hin zu kontrastorchestern. die motive der setzung von kontrasten sind vielfältig: schrecksekunden und irritationen auslösen, lustempfinden anregen, inseln der seligkeit herstellen, brüche erzeugen und perspektivenwechsel ermöglichen, symmetrien oder musterbildung aus kontrasten gestalten, konflikte heraufbeschwören, vexierbilder anlegen, durch extrembildungen eine mitte vermeiden, die erst in der phantasie produktiv wird. immer entstehen aus den polarisierungen in der wahrnehmung neue qualitäten, die mitunter kaum glaubhaft scheinen. vor allem gegensätze, die sich anziehen, liefern elektrisierende reibungsflächen mit unvorhergesehenen entladungen.

(christa brüstle)


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...er betritt im osten die stadtteile marzahn und hellersdorf, die in schöneberg und wilmersdorf unbekannter waren und ferner lagen als montevideo. (horst köhler, bundespräsident - aus der laudatio auf wolfgang büscher zum ludwig-börne-preis 2006)

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am verschwinden des menschen arbeiten viele der besten gehirne und riesige industrien. der konsum ist die einübung der massen in diesen vorgang, jede ware eine waffe, jeder supermarkt ein trainingscamp. (heiner müller, leipzig,1998)






































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Mit einem neuartigen, voll-elektronischen Blasinstrument gibt Julean Simon seinen musikalischen Kommentar zum sogenannten "drei-körper-problem", also der Schwierigkeit, die Bewegung von drei voneinander abhängigen (Himmels)körpern zu berechnen. Roswitha von den Driesch & Jens-Uwe Dyffort beschäftigen sich in ihrer audio-visuellen Installation mit der Sehnsucht nach einem noch nicht vom Menschen betretenen, offenen Ort, um diesen zu besetzen. Die von Ralf Hoyer & Susanne Stelzenbach im Raum verspannten Drahtseile erzeugen mit ihren feinen Schwingungen einen eigenen, assoziativen Kosmos.

John Cage übertrug für Atlas Eclipticalis Sternenkarten auf zufällig platzierte, transparente Notensysteme. Im Konzert ist so die Zeit proportional der horizontalen Entfernung, die Tonhöhe proportional der vertikalen Entfernung der Sterne voneinander und die Lautstärke der einzelnen Töne proportional der Größe (also der Helligkeit) der Sterne. Durch die Simultanaufführung mit Winter Music ergibt sich eine Art musikalisches Zweigestirn - gleichermaßen in zwei Objekte separiert wie durch starke innere Kräfte so aufeinander bezogen, daß sie als eines wirken. Die Albedo, ein Maß für den Lichtrückwurf eines nicht selbst leuchtenden Himmelskörpers, ist die bestimmende Größe in Helmut Zapfs gleichnamiger Komposition für Solo-Flöte. Friedrich Schenker greift in seiner Uraufführung auf Jean Paul zurück und filtriert daraus einen eigenen Kosmos aus Gedanken und Begriffen. Marc Sabat und Wolfgang von Schweinitz arbeiten in ihren Kompositionen mit der reinen Stimmung, die unseren Ohren heute befremdlich klingen mag, die aber durch ihre - auf Pythagoras zurückgehende - klare geometrische Grundlage auch eine Brücke zu den Anfängen astronomischer Berechnungen bildet. Planetenbahnen waren bereits mehrfach kompositorische Grundlage für Henry Mex, der sich in seiner Uraufführung für die Pyramidale speziell den Planetenzwischenräumen in unserem Sonnensystem widmet. Die Uraufführung von Ulrich Krieger sucht auf andere Weise musikalische Metaphern für den gekrümmten, endlosen, aber nicht leeren Raum. Susanne Stelzenbach und Ralf Hoyer greifen Details aus „ihrer“ 2001 entstandenen Space Odyssey auf und entwickeln diese unter Einbeziehung der aufgebauten Klanginstallation zu einer neuen musikalischen Form. In seinem eigens für die Pyramidale entstandenen musikalischen Spiel- und Selbstorganisationssystem umspannt H.Johannes Wallmann das Publikum und schafft differenzierte Gleichgewichte zwischen Klang und Stille vor dem Hintergrund der großen Ruhe eines unendlich weiten Raumes, der, wie Olivier Messiaen es einmal nannte, die „große kosmische Aktivität Leben“ in sich trägt.

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am 11.10.2004 / 22.00.Uhr / Palast der Republik




Konzertprojekt
für Klavier, Posaune, Live-Elektronik und Videoprojektion
mit kritischen Kompositionen aus der Blütezeit des Palastes der Republik


In den letzten zehn Jahren der real existierenden DDR gab es eine sehr lebendige, phantasievolle und kritische Neue-Musik-Szene mit engen Verbindungen zur Literatur, zur Bildenden und Darstellenden Kunst. Es entstanden eine Reihe von Stücken mit theatralischen und multimedialen Komponenten, die oft in ironischer Weise Zustände und Befindlichkeiten auf den Punkt brachten und damit wichtig für das Selbstverständnis kritischer Intellektueller wurden. Kurioserweise gehörte das kleine “Theater im Palast“ zu den Spielstätten, die immer wieder auch solche Aufführungen bis zu einem gewissen Grade ermöglichten - in der Regel fanden im Palast der Republik Veranstaltungen mit staatstragendem Charakter statt.

Nach einer Szene für Solo-Posaune mit dem Titel "weggeschwunden II - Zeiten" (Uraufführung) greift das ensemble p i a n o p l u s solche Stücke auf, die an die Grenze dessen gingen (und sie gelegentlich auch überschritten), was politisch eben gerade noch geduldet wurde. Freilich wurde seitens der offiziellen Kulturpolitik peinlichst genau darüber gewacht, dass die Zahl der Rezipienten und damit die öffentliche Wirksamkeit gering blieb.

Doch sind weder Nostalgie noch Weltschmerz die Gründe für ein solches revival, vielmehr geht es um die Konfrontation der ausgewählten instrumental-theatralischen Kompositionen aus den 80ern mit dem veränderten Palast und dem veränderten Publikum.

gefördert durch die GEMA-Stiftung, mit freundlicher Unterstützung der Akademie der Künste
und des Deutschen Rundfunkarchivs Babelsberg


ensemble p i a n o p l u s

Susanne Stelzenbach, Klavier
Friedrich Schenker, Posaune/Stimme
Ralf Hoyer, Tonregie/Live-Elektronik

Moderation Prof. Dr. Günter Mayer



Programm:
(Dauer ca. 80 min.)



Als Auftakt:
Susanne Stelzenbach
weggeschwunden II - Zeiten
Szene für Soloposaune (2002/ UA)


Ralf Hoyer:
...ich war‘s ich bin‘s...
Erkundungen zum Thema Prometheus
für Klavier, Tonband und Live-Elektronik (1982)


Georg Katzer:
Ballade vom zerbrochenen Klavier
für Klavier und Tonband (1984)


Ralf Hoyer:
Allgemeine Erwartung
szenische Kammermusik für zwei Klaviere und einen Schauspieler nach einem Text von Volker Braun (1980)

Filmische Umsetzung 1984 / Redaktion: Rolf Gerlach Regie: Christof Enderlein / mit Jörg Gudzuhn (Schauspieler), Susanne Stelzenbach (Klavier) und Thomas Just (Klavier) / Produktion des Fernsehens der DDR


Friedrich Schenker:
Missa nigra
Version für einen Posaunisten mit Stimme (1978/1996)

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Im Anschluss an das Konzert Diskussionsrunde mit

Prof. Dr. Günter Mayer (Musikwissenschaftler)
Christof Enderlein (Filmregisseur)
und den Komponisten
Ralf Hoyer, Georg Katzer und Friedrich Schenker



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Zu den Werken:

weggeschwunden...in der Erinnerung an ein altes Deutsches Volkslied gerät der Posaunist auf eine Mini-Odyssee...ich weiß nicht was soll es...ein Märchen...aus dem Sinn...im Abendsonnenschein? (2002 für Friedrich Schenker komponiert)

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..ich war‘s ich bin‘s... Erkundungen zum Thema Prometheus für Klavier, Tonband und Live-Elektronik entstand 1982 und war eines von zahlreichen Auftragswerken des Kulturbundes der DDR an Bildende Künstler, Dichter und Komponisten, die sich zum Goethejahr 1982 mit Prometheus auseinandersetzen sollten. Die Ergebnisse aber entsprachen wohl nicht ganz den Vorstellungen der Initiatoren: die erste Präsentation fand nun ohne das Fernsehen statt, die geplante Tournee des gesamten Projektes durch alle Bezirke der DDR wurde abgesagt. Gleichwohl waren einzelne Aufführungen des Stückes möglich, es war eine der ersten Arbeiten in der damaligen DDR, die als Kammermusik mit Zuspielband und Live-Elektronik arbeiteten. Mit einem eigens im Studio des Palastes der Republik entstandenen Video des Grafikers Dietrich Brüning, der kurze Zeit später einen Ausreiseantrag stellte, wurde dieses Stück in einem Jugendkonzert im Palast 1984 aufgeführt. Mit einer Collagetechnik, die u.a. das altgriechische Trinklied des Seikilos und Trivialmusik verarbeitet, erzählt dieses Stück vom Streben der Menschen nach Harmonie, das einerseits immer Gefahr läuft in Selbstzufriedenheit zu versinken, andererseits stets aufbrechende, weiterführende Veränderungen erfährt... (Ralf Hoyer)

„denn es ist so, dass die prometheischen Möglichkeiten der Menschen sich gegen sie kehren lassen und dass die Menschen in ihrer Manipulierbarkeit die Gefahren solcher modernen Pandorabüchsen verkennen. Davon reden, davor warnen letztendlich die Stimmen vom Tonband mit Texten Uwe Bergers, Heinz Czechowskis, Günter Rückers und Volker Brauns. Am Ende bleibt die Frage jedoch offen, in wieweit derartige Aufklärungen fruchten und was dafür die schönen Früchte der Kunst zu leisten vermögen. Die ungerührte Penetranz einer klassischen Melodiefloskel lässt Skepsis angebracht sein...“ (Frank Schneider 1986)

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Ballade vom zerbrochenen Klavier für Klavier und Tonband (1983)
Die Idee zu der Komposition kam mir bei einem Spaziergang: Im Wald entdeckte
ich die Ruine eines Klaviers. Die surreale Situation, wie in einem Bild von
Max Ernst, machte machte nachdenklich. Stand das traurige Wrack nicht da als ein Symbol? Wie geht der Mensch, wie die Gesellschaft um mit Musik, tun wir recht daran uns von ihr "in eine bess´re Welt" entrücken zu lassen, wie Schubert, seinem Dichter Schober folgend, uns empfiehlt? Darüber reflektierend entstand ein Text, den ich komponierte. Er kommt teils vom singenden, sprechenden Pianisten, teils vom Band, auf dem auch die faszinierenden Klänge gespeichert sind, die sich dem moribunden Instrument noch entlocken ließen. Die letzten Seufzer und Aufschreie des von Spaziergängern gepeinigten Musikmöbels wurden allerdings dann weiter bearbeitet im elektronischen Studio des TIP (Theater im Palast, Berlin) unter Mithilfe des Tonmeisters Eckhardt Rödger. Die Verwendung des Brecht-Zitats " laßt uns singen - auch in finstern Zeiten" hat mir damals,1983 nach derUraufführung durch Gerhard Erber, einen drohenden Zeigefinger der Kulturobrigkeit eingebracht. Den Finger gibt es jetzt nicht mehr, aber ich habe das Gefühl, das Stück ist immer noch aktuell, auch in nicht ganz so finstern Zeiten.(Georg Katzer)

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Die Aktion für zwei Klaviere und Schauspieler Allgemeine Erwartung zu einem Text von Volker Braun entstand 1980 und wurde im Rahmen des Volker Braun Abends Nr.2 am Berliner Ensemble mit Ekkehard Schall uraufgeführt. Im Text verarbeitet Volker Braun auf seine Art die Worthülsen und Parteilosungen dieser Zeit und legt sie einem Arbeiter in den Mund, der sich an seiner Maschine „gedanken macht... bis wir unseren blinden Glauben ablegen wie pampige Zeitungen und fragen: was eigentlich ist zu erwarten?“. Das Stück ist mehrfach aufgeführt worden und es war immer gefährdet. Die Ausstrahlung einer Fernsehaufzeichnung, die im Zusammenhang mit einer Aufführung zu den DDR-Musiktagen 1984 unter abenteuerlichen Bedingungen entstand, wurde verboten. Als Komponist einen Mitschnitt zu erhalten war unmöglich, man fürchtete offenbar eine illegale Weiterverbreitung. Im Sommer 1989 wurde das Stück schließlich für die Schallplatte in der Lucaskirche Dresden mit Jörg Gudzuhn und den beiden Pianisten Susanne Stelzenbach und Thomas Just aufgenommen, doch zu einer Veröffentlichung kam es nicht mehr.
Formal greift das Stück die alte Gattung des Melodrams wieder auf, kompositionstechnisch gehen viele Details auf Pierre Boulez und Karlheiz Stockhausen zurück, mit deren Schriften ich mich seinerzeit sehr auseinandergesetzt habe. (Ralf Hoyer)

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Als 1978 die USA-Regierung mit dem Bau der Neutronenbombe eine neue Runde des Wettrüstens einleitete, entwarf Schenker ein Proteststück: »Missa nigra«. Die Absicht fand die Billigung der Behörden, bis sie bemerkten, dass Schenker nicht nur die amerikanischen Bomben ablehnte, sondern Kriege und Wettrüsten überhaupt für Wahnwitz hielt. Das ging manchem zu weit. Das musikalische Establishment der Stadt Leipzig lief Sturm gegen das Stück, seine Aufführung wurde verboten. Daraufhin gingen die Musiker zur SED-Kreisleitung und erkundigten sich, ob in der DDR jetzt die Kritik an Imperialismus und Krieg verboten sei, und der zuständige Sekretär holte die Verfassung der DDR heraus und konnte einen entsprechenden Paragraphen nicht finden. Also verbot er das Verbot, und eines Abends fand im Festsaal des Alten Rathauses diese Schwarze Messe gegen alle Kriege statt.
Niemand, der sie erlebte, wird sie jemals vergessen. Ein fahles Licht lag über der Szene. Dirigent Christian Münch betrat die Bühne und erschoss sich, um als Toter die Aufführung weiter zu leiten. Das Konzert ging in Theater über. Die Musiker erschienen in weißen gespenstischen Totengewändern mit eulenhaften Flügelmasken, die der Maler Hartwig Ebersbach geschaffen hatte, ein anderes enfant terrible der farbigen Leipziger Kunstszene. So führten die Toten der kommenden Kriege einen aberwitzigen Tanz auf dem Vulkan vor, mit dem Tod als Spielmeister. Am Ende knüpften die Toten selbst noch die Puppen ihrer toten Kinder am Galgen auf. Die das sahen, erschauerten unter dieser makabren Phantasmagorie. (Gerhard Müller)